Debemos reconocer que Madonna sabe lo que hace, y lo que mejor hace últimamente es levantar esas lamentables expresiones que dicen "Ya quisieran tener su edad y seguir bailando como ella", pero el hecho de que se tome tu trabajo en cuenta por tu edad y no por su calidad, deja en tela de juicio el título de "Artista". Y es que a pesar de lo que digan muchos, más que una artista, Madonna es una "Entertainer", es la eminencia pero en el mundo del entretenimiento, del negocio y de las giras multimillonarias ¿para qué hablar de arte cuando se entra en este terreno?
Es el mismo caso de su ahora, némesis, Lady Gaga que se proclama como una revolucionaria de la música pop y de la industria del entretenimiento, pero las comparaciones no se han hecho esperar y hemos visto miles de ejemplos de cómo las producciones de Gaga muestran cierto (o mucho) parecido con los de la "Reina del pop"
Lo cierto es que Madonna tampoco descubrió el hilo negro, y muchos parecen pasar por alto el hecho de que en varios momentos de su carrera, sus productos muestran parecidos con el de otros artistas. El problema aquí es que al parecer la larga, polémica y escandalosa carrera de Madonna es motivo suficiente para ponerla en categoría de Diosa y perdonarle esos discretos y bien ejecutados rip-offs muy al estilo de lo que Lady Gaga hace hoy en día.
Este post no pretende defender a Lady Gaga ni tirarle tierra a Madonna, al final, en Poop-Art estamos convencidos de que "Everything is a Remix", pero también es hora de aceptar que cuando se trata de copiar, samplear inspirarse o accidentalmente entregar un producto muy parecido a otro, Madonna no se va con las manos limpias, así que cuando critiquen a Lady Gaga por copiona, siempre recuerden que ladrón que roba a ladrón, tiene 1 000,000 de copias vendidas y algunos Grammy's en su repisa.
Con el sonido que caracteriza a Ernest Greene, aka Washed Out, Call it Off se desprende de su más reciente sencillo Amor Fati que estará a la venta en una edición de 12" a partir del 7 de Noviembre.
Escucha y descarga aquí Call it Off de Washed Out:
Sin ninguna confirmación oficial al respecto, la respuesta del sitio bjork.com a uno de sus fans brasileños que preguntaba si era posible que llevara la gira de Biophilia a Brasil, ha causado revuelo levantando los rumores de una segunda visita a tierra azteca.
"He escuchado algunas ideas de México, Brasil y Argentina" dicta la respuesta de su sitio oficial que pueden ver aquí:
Rumor o no la idea está en el aire, habrá que esperar a que sea información oficial y se confirmen las fechas y venues en caso de que esta segunda visita vea la luz.
Por fin fue lanzada la tan esperada colaboración entre Massive Attack y Burial llamada "4 Walls" con 11 minutos de duración, un intro muy a la "100th Window" de Massive Attack, vocales etéreas y el toque retorcido y oscuro que caracteriza la música de Del Naja.
El sencillo será lanzado de manera oficial, junto con "Paradise Circus" en una edición limitada de 12" el 17 de Octubre.
J-Wow presenta esta colaboración con Sui Zhen, proyecto de Becky Freeman, para la Red Bull Music Academy 2010. Publicada através de su cuenta de Twitter, J-Wow, miembro de Buraka Som Sistema entrega este track hipnotizante que mantiene el toque tribal que caracteriza a Buraka. Ideal para una noche de sexo, River Song:
Tori Amos Night of Hunters
Deutsche Grammophon
7.9
Aceptémoslo: las últimas entregas de Amos colocaron a los fans en un territorio muy fino entre el amor y el odio cuando escuchamos a la pelirroja cantar "Think of me as programmable soda" o su muy extraña y un tanto patética rendición a Mary Jane. Parecía que la chispa se había ido, que no quedaban temas por explorar y era eso lo que tenía a Amos buscando conceptos sin pies ni cabeza para sus discos.
Sin embargo, la nueva producción de la aclamada cantautora tiene un concepto tan ambicioso como el resultado: Un ciclo de canciones que narran la historia de una mujer al final de una relación, donde llevada por Annabelle, una musa infantil que emerge de la naturaleza, emprende una regresión en el tiempo a vidas pasadas. Cada una de las canciones tiene un rol dentro de la historia, y cada una de ellas es una variación de temas clásicos como Nocturne Op. 9 No. 1 de Chopin y Flute Sonata de Bach.
Y aunque para muchos pueda parecer pretencioso y hasta falto de originalidad tomar temas clásicos para convertirlos en canciones, Amos lo hace a la altura de la artista que es dando vida a cada uno de los temas y además entrelazándolos como piezas de un musical.
Shattering Sea se encarga de abrir el disco sentando el territorio agresivo y místico donde se desenvuelve la historia para dar paso a Snowblind, primer tema donde escuchamos a Annabelle, interpretado por su hija de 11 años. La combinación de voces le da un toque más teatral e incluso operístico en algunos puntos del disco. Fearlessness y Cactus Practice son un par de joyas de "Night of Hunters" que brillan con luz propia cuando siguen el hilo conductor de la historia, así como por separado.
La voz de Tori deja la técnica nasal y suena más a "Little Earthquakes" que a "Abnormally Attracted to Sin", Tori se vuelve a escuchar poseída por las canciones. En esta ocasión el piano acompaña y no protagoniza y en cambio deja lugar para una instrumentación exquisita.
Sin duda, "Night of Hunters" es la mejor entrega de Tori Amos desde "Scarlet's Walk" de 2002 y aunque de primera instancia el concepto parece otra jugarreta de la pianista, por lo menos tiene más solidez y coherencia que sus producciones pasadas. Rebuscado como a Tori le gusta, "Night of Hunters" divide la carrera de Amos y se posiciona como uno de sus mejores discos, tanto en la interpretación como en las letras y sobre todo, en sus habilidades de pianista y compositora, pues aunque no se puede decir que las canciones son de su autoría, sí se deja escuchar la habilidad de Tori con el piano y las estructuras clásicas y del pop que la han caracterizado por casi 20 años de carrera.
Un must para los fans, recomiendo escuchar las versiones originales de cada canción y leer la historia completa de "Night of Hunters" mientras se acompaña el disco.
Saliendo de la sala, la única pregunta que pasaba por mi cabeza era "Guillermo del Toro ¿en qué estabas pensando?"
No le temas a la Oscuridad, es sin duda una de las peores películas del año y del género. Floja desde la historia y hasta las actuaciones, este largometraje narra la historia alterna de la leyenda urbana del "hada de los dientes"de una forma poco interesante, poco terrorífica y más bien risible.
El guión a cargo de Guillermo del Toro y remake de la película para TV del mismo nombre, no dista de cualquiera que hayamos visto en un capítulo de la serie de Nickelodeon "Are you afraid of the Dark?" pero con las características de las historias de Del Toro que comienzan a aburrirnos: un niño, en este caso una pequeña, incomprendida y con problemas familiares se encuentra con situaciones paranormales que ponen en riesgo su vida. El personaje femenino, esta vez interpretado patéticamente por Katie Holmes es quien sacrifica su vida por la del infante, enalteciendo el instinto materno.
Esta fórmula, ya explorada en El Espinazo del Diablo y El Laberinto del Fauno, situadas en épocas de guerra, mostraban a los personajes infantiles luchando por sobrevivir las atrocidades de la guerra trasladas al fantástico mundo de los niños donde encontraban un escape o un laberinto sin salida. En "No le temas a la oscuridad" la fórmula está repetida pero sin fundamentos, sin guerra pero con todos los clichés de las películas de criaturas terroríficas típicas de Hollywood.
Probablemente lo único rescatable de la cinta sean la estética de la fotografía y las locaciones, el casting deja mucho qué desear y los efectos especiales no son nada del otro mundo. Un gran tropezón de Del Toro, esperemos que en su próximo largometraje explore otro tipo de historia y deje de esforzarse tanto por escribir guíones para Hollywood, es lo malo de ganarse el Oscar.
Acá el trailer que está tan malo como la película:
No le temas a la oscuridad reseña Guillermo del Toro porquería No le temas a la oscuridad reseña Guillermo del Toro porquería No le temas a la oscuridad reseña Guillermo del Toro
Nada como un track con toques místicos e incluso retorcidos pero que no se queda atascada en los oídos y se digiere con facilidad.
Así es "Kimmy in a Rice Field", sencillo que se desprende de "Heaven" el sophomore de Twin Sister quienes en esta ocasión exploran sonidos que van desde el ambient hasta el showgaze con la voz de Andrea Estella que parece flotar, como dice la canción, sobre un cultivo de arroz al amanecer.
Con un video, más extraño que la canción muy al estilo de una película de terror coreana, Twin Sister presenta su segunda producción con la promesa de no decepcionar a nadie.
Proyecto de Guy Connelli, originario de Londres, es prueba de la diferencia entre los artistas y los "recording artists" ya que, aunque han demostrado su talento mezclando a bandas como Metronomy y Yeasayer entre otros, les ha tomado mucho tiempo lanzar su disco debut.
Desde finales del año pasado y hasta hace algunos meses, Clock Opera lanzó sencillos de su autoría para compilaciones por demás extrañas, como su más reciente inclusión en un single para Moshi Moshi.
Y para quienes esperamos un disco completo, aún hay pruebas para mantener la fe, pues el lanzamiento de un nuevo EP titulado "Lesson No.7" está agendado para el 3 de Octubre e incluye este sencillo que nos recuerda un tanto a Whomadewho pero con un toque más orgánico y agresivo.
Por lo pronto el Lesson No.7 se puede escuchar en Soundcloud. Disfrútalo recién salidito del horno aquí:
Para conmemorar que hoy es Nochebuena y mañana es Navidad, les dejo un Christmas Carol muy al estilo de Poop Art: Amarga pero muy bella al final. A cargo de Hurts, dúo inglés que hiciera mucho ruido este año con su disco debut "Happiness", All I want for Christmas is New Year's Day, mata dos pájaros de un tiro, pues reúne todos los clichés de una canción de Navidad en una melodía que más bien es un tributo para el año nuevo.
Sin más por el momento, les dejo esta canción y un fuerte abrazo navideño. ¡Feliz Navidad!
A diferencia del año pasado y de la lista pasada, esta vez sí me voy a poner bien moderno para dejarles el Top 10 de los mejores discos del año según su humilde servidor.
En la era de las descargas digitales, el formato de álbum parece haberse convertido en todo un reto ahora que muchos artistas optan por ofrecer descargas de una o dos canciones y lanzar EPs al mercado, evidenciando que el concepto de álbum pertenece a tiempos de antaño en dónde se dejaba correr la reproducción desde la primera hasta la última canción, convirtiéndolos, más que en un disco, en una jornada musical que cumplía un cometido de principio a fin. Es por ello que estas obras maestras están en esta lista, pues siguen cumpliendo con ese objetivo aún cuando el "Shuffle" de iTunes nos mantiene tentados a escuchar las rolas de manera individual. Aquí la lista:
Relaciones largas y duraderas, amor fraternal y vínculos entre amigos, son los temas que Hot Chip aborda en este disco, haciéndolo sorprendentemente bailable y disfrutable de principio a fin.
Los chicos de Glasgow regresan con ese toque de optimismo que siempre los ha caracterizado. Nada que se aleje de su sonido habitual, sin embargo, se trata de una obra que seguramente se ganara más nuevos adeptos que detractores.
Una de las bandas más representativas de la década de los 00s regresa este año con lo que es considerada por muchos su obra maestra hasta la fecha, combinando ritmos de todo el mundo con beats y colaboraciones muy atinadas, Damon Albarn y compañía ocupan el número 8 de esta lista.
La elegancia de la electrónica de Dan Snaith llega a niveles delirantes en esta exquisita producción que se muestra consistente y al mismo tiempo impredecible durante todo el álbum.
Banda de Oxford que sorprendiera a los tabloides musicales con su debut hace algunos años, regresa con una obra mucho más sólida y madura que al parecer marcará una línea a seguir para las bandas emergentes de esta década.
#5 Crystal Castles II by Crystal Castles Celestica by APJ
Este dúo canadiense que ocupara un lugar muy concurrido en los setlist de los DJs con su debut en 2008, regresan haciendo un poco de lo mismo pero con un toque fresco que incluso supera su primer álbum.
Compartiendo el título del álbum con uno de Katy Perry, pero no precisamente con ello la calidad musical de esta pieza maestra, la tercera de este dúo, que combina lo mejor del Dream Pop con la libertad del indie de nuestros tiempos, Teenage Dream es un disco que seguramente influenciará a muchas bandas en formación.
Mientras "Sound of Silver" definió la pauta que la escena electrónica independiente seguiría durante los años posteriores, This Is Happening es una obra mucho más modesta pero el mismo tiempo más redonda que la hace una de las mejores de este año.
Sin duda este año Arcade Fire alcanzó los oídos de prácticamente todo el mundo con el lanzamiento de The Suburbs, un disco que tanto musical como líricamente es una bola de estambre que corre sin enredarse. Las canciones parecen piezas de un rompecabezas que embonan perfectamente. Es precisamente un viaje de la ciudad a la calma de los Suburbios, acompañado de confesiones melancólicas y recuerdos de juventud.
Si The National ya había producido una joya musical en 2007 (Boxer), con su quinta entrega demuestran que no se trataba de un golpe de inspiración. High Violet encuentra ese punto evolutivo en el que el sonido de la banda está muy lejos de la propuesta musical con la que se dieron a conocer y sin embargo mantiene la esencia de The National, instrumentaciones prácticamente perfectas que se combinan con las simplicidad de las letras y la profundidad de la voz de Berninger. Un disco tanto para fans como para nuevos escuchas, High Violet ocupa el primer lugar de esta lista.
Al igual que el año pasado y con el firme objetivo de que este blog no se sienta tan abandonado, aquí está el Top 10 de las Revelaciones del año en curso.
A escasos días de que este año llegue a su fin, les dejo el compilado de las canciones que me pusieron en contacto con bandas que hasta antes de este año me resultaban desconocidas, aún cuando varias de estas canciones fueron publicadas desde 2009 (No me juzguen, intento ser lo más moderno que esta vida me permite).
Sírvanse escucharlas por acá o bajarlas para hacerlas parte permanente de su colección, les dejo al final un descargable con las 10 canciones. Fomentando la descarga ilegal para ustedes, mis queridos lectores, aunque estoy seguro de que muchas de las bandas que ocupan un lugar en este humilde listado, me lo agradecerían (no igual sus disqueras).
Sin más rodeos, les dejo el Top 10: Revelaciones 2010.
#10 Before the Sun Blind Us by Phylum Sinter feat. Tamara Finlay
Nombre del proyecto de Christopher Todd, originario de Detroit, Phylum Sinter ofrece una mezcla perfecta de beats y experimentación electrónica lo suficientemente oscura para convertirse en el soundtrack de una madrugada contemplada desde la ventana. El sonido de las calles de Detroit está perfectamente capturado en sus canciones, haciendo que "Detroit Nocturnes" sea el nombre ideal para esta obra. Before the Sun Blind Us cuenta con la participación de Tamara Finley en la voz, quien mezcla sus tonos ahumados con el beat oscuramente hipnotizante de Todd para esta canción que suena exactamente como el momento en que la noche está a punto de morir para dar paso a la cegadora luz de sol.
Ocupando el noveno lugar de esta lista, está Memoryhouse, dúo compuesto por Evan Abeele y la fotógrafa Denise Nouvion, originarios de Ontario, Canadá, por lo cuál no resulta sorprendente que sus canciones nos recuerden a una fotografía tomada hace varios años. To The Lighthouse, desprendida de su EP Debut "The Years" combina una voz adormilada y al mismo tiempo dulce, con elementos de dream-pop muy a-la Beach House, pero con esencia suficiente que les permite tener su propia identidad.
Orgullosamente mexicanos, Juan Manuel Torreblanca y compañía, conocidos simplemente como Torreblanca, ocupan el octavo lugar de este conteo con "Defensa" desprendida del EP con el mismo nombre. La banda originaria del Distrito Federal combina una melodía un tanto cómica en el piano con una letra de tintes dramáticos y una voz con puntas histriónicas que la hacen, por mucho, una canción tan disfrutable como irónica y sin duda una de las propuestas más interesantes de la escena independiente mexicana actual.
Nika+Rory se trata de un proyecto satélite de Nika Roza Danilova, mejor conocida por Zola Jesus y su compañero de giras, Nick Turco. Y aunque parece un proyecto pequeño, "I'm not Going Anywhere" no carece de calidad y mucho menos de estilo. La voz encantadora y oscura de Danilova y un beat que va ganando fuerza mientras la canción va avanzando, la convierten en una espiral que desemboca en un final sublime que hace que repitamos esta canción una y otra vez sin cansarnos de escucharla. Sin duda una canción adictiva que merece ser mencionada. Habrá que prestar atención a lo que hace este par para futuras entregas.
Otra canción sumamente adictiva y energetizante. Este trío de Irlanda del Norte, formado en 2007, combina un beat por demás amigable con guitarras electrizantes que nos hacen pararnos de donde estemos para perder la cabeza al ritmo de "I Can Talk". Formando parte del cartel del Festival Corona Capital, esta agrupación visitó nuestro país este año promocionando su álbum "Tourist History" del cuál se desprende el número 6 de esta lista.
"Beast Rest Forth Mouth", el segundo álbum de Bear in Heaven, y del cuál se desprende este sencillo, fue lanzado el año pasado para recibir críticas positivas en el mundo de la blogosfera y por la crítica en general. El "sophomore" de esta banda originaria de Brooklyn, Nueva York, ofrece en Lovesick Teenagers una mezcla vertiginosa de guitarras piscodélicas y una fuerte base en la batería que termina abruptamente, al igual que el amor adolescente.
Aún cuando las canciones llevadas por el piano de Spektor ya habían llegado a mis oídos, ninguna antes (y ninguna después) capturó mi atención de la forma en que Hero lo hace. Parte del Soundtrack de "500 Days with Summer", una de las joyas del cine comercial del año pasado, Hero se aleja mucho de la canción típica que acompaña una película, para formar parte de la película misma. Incluso la escena en la que aparece cobra más fuerza acompaña por la voz de Spektor quien también formara parte de la alineación de invitados al Festival Corona Capital de la Ciudad de México.
Grandes del 2009 y que se presentaron en nuestro país este año en lo que fue, según muchos, una de las mejores y más esperadas presentaciones del año en curso, Moderat, el resultado de la fusión de Modeselektor y Apparat que iniciaran su historia hace ya casi 8 años, se reunieron el año pasado para crear una obra maestra de la electrónica actual. A New Error muestra la elegancia y congruencia de Moderat quienes mantienen la línea de la experimentación sin que esta se despegue mucho de la simplicidad de la electrónica más hipnotizante que he escuchado.
Otro de los secretos mejores guardados del 2009, el dúo de Cleveland ha sido categorizado con mucha dificultad en varios géneros debido a la amplia variedad de estilos que se escucha en su música, desde el Post Punk y el Alt Rock, Mr. Gnome recorre estructuras y estilos musicales que nos recuerdan a los Yeah Yeah Yeahs en sus inicios, a PJ Harvey en sus momentos más iracundos y a Björk es sus aventuras más experimentales. Lejos de toda comparación, hay que admitir que este dúo podrá recordarnos a muchas cosas que hemos escuchado antes y aún así suenan auténticos y frescos. Slow Side es sin duda una canción con mucha fuerza que indiscutiblemente se ha ganado el segundo lugar de esta lista de revelaciones en Poop Art.
Sin duda, una de las mejores propuestas musicales de este año, el misterioso proyecto de Jona Lee que se mantuviera prácticamente en secreto desde finales del año pasado hasta mediados de este. Un concepto que incluye un estilo musical que se escucha mucho estos días pero que muestra destellos brillantes de creatividad, acompañados de visuales impresionantes mostrados en cada uno de los videoclips. Optar por una sola canción de este proyecto resulta muy difícil cuando todas son tan buenas, sin embargo "T" captura la esencia de la bella Lee bailando al beat de su creación maestra mientras canta una letra que, aunque es difícil de entender, se siente triste, como la muerte de una estrella. Desde los videos virales con los que iamamiwhoami se mostró al inicio, hasta el concierto transmitido en vivo; iamamwhoami es uno de los proyectos más ambiciosos y mejor realizado de este año.
Desde hace ya aproximadamente 40 años es costumbre que las copas mundiales organizadas por la FIFA cuenten con simbología propia que diferencie a cada una, lo primero que se nos viene a la cabeza al pensar en esto probablemente sean las mascotas, que mundial tras mundial son presentadas antes de que el torneo empiece para ser prácticamente olvidadas durante el tiempo que dura el evento.
Sin embargo, existen símbolos musicales para estos eventos: un himno oficial de cada copa y un tema oficial. La diferencia entre estos es que el himno a muy pocos les interesa mientras que el tema oficial es explotado en términos de mercadotecnia y puede incluso trascender la temporalidad del evento para convertirse en hits de la historia musical.
Y es que quién no se acuerda de aquel tema que en 1998 despuntara la carrera del entonces no tan conocido Ricky Martin, quien fuera el intérprete de “La Copa de la Vida”, tema oficial seleccionado por la FIFA para la copa en Francia de ese año. La canción permaneció en las listas mucho más tiempo que los goles de aquella copa permanecieron en la memoria del espectador promedio, se escuchó en todas las pistas de baile y fue parte de la rotación continua de las estaciones de radio durante por lo menos un año.
No fue hasta tres campeonatos después que volvimos a escuchar una tema oficial fuera de las transmisiones de los partidos para convertirse en parte de los playlists de algunos lugares nocturnos; se trata de Waka Waka (This time for Africa) a cargo de Shakira, quién a diferencia de Ricky Martin ya tenía una carrera sólida y ya ocupaba espacios en las cabeceras de las listas de éxitos.
Lo destacable de estás canciones, probablemente no sea su calidad musical o su contenido lírico, de hecho, existen temas oficiales que son mucho más congruentes con el evento al que pertenecen, como Gloryland interpretada por Daryl Hall que como buen gringo pintaba a su patria como el lugar donde los sueños de todos los participantes se harían realidad. Sin embargo, la naturaleza del tema, la hacía poco atractiva y memorable.
El caso es el mismo con “Time of our Lives” que siriviera de canción oficial para la copa pasada celebrada en Alemania, donde Il Divo se unía a la voz de Tony Braxton, resultaba en una balada aburrida que no sugería lo que es verdaderamente el evento que organiza la FIFA cada cuatro años: Una fiesta a nivel mundial.
Es precisamente donde Waka Waka y La Copa de la Vida tienen su acierto, ambas son canciones alegres con ritmos carnavalezcos, cantados por artistas latinos que además contienen frases en idiomas ajenos al de la canción y perteneciente al país en donde la copa se lleva a cabo. La fórmula se repite en ambos casos y ambos temas han logrado posicionarse en los picos de las listas, cosa que significa mucho hoy en día, donde el dinero y la música van de la mano.
Así es que en algunos años cuando escuchen en alguna estación de oldies la canción de la copa actual, piensen en cuántos temas oficiales logran trascender las cuatro semanas de duración del Mundial de Fútbol para convertirse en un hit de época, porque sin duda, el tema oficial de la copa compite con los momentos más memorables de un evento de este nivel.
Para el tercer sencillo de su más reciente producción, Heligoland, el hoy duo de Bristol decidió promocionar "Saturday Come Slow"canción en la cual la voz corre a cargo de Damon Albarn, también conocido por ser el líder y vocalista de Blur. Aquí lo dejó para que lo vean:
Si bien, en el post anterior me había quejado de la larga duración del videoclip de "Telephone" de Lady Gaga y de que además lo utilizaran para anunciar marcas de teléfonos móviles y computadoras, este videoclip cae, al parecer en la misma línea: un video de casi 8 minutos de duración que interrumpe la canción de lleno y que además es utilizado con fines propagandísticos y publicitarios.
Pero existen también diferencias inmensas entre el video de Gaga y el de Massive Attack. La primera es por supuesto la sobriedad en el estilo, mientras que el video de Lady Gaga bien podría causar epilepsias como el capítulo más violento de Pokemon, Saturday Come Slow nos muestra tomas cerradas en una sola línea de tonalidades mientras la vibración de unos altavoces juegan casi poéticamente con las partículas de un material que se mueve encima de ellas al ritmo de la canción.
Por otro lado, en el video que presento en este post, tenemos el testimonio de un prisionero de guerra que fue torturado con música en Guantánamo. Este noble arte del sonido utilizado para torturar a reos, como él explica, no sólo es utilizado en esta prisión que, según las promesas de Obama, tenía que estar cerrada a principios de este año. Cosa que por supuesto no ha sucedido. Y por si no fuera poca la polémica de Guantánamo, el hecho de saber que la música es utilizada en muchos lugares como un método de tortura es información nueva para los 1,632 viewers que tiene este video.
¿Y la propaganda? Bueno, mientras Lady Gaga anuncia a Polaroid y a HP, los padres del "Bristol Sound" decidieron incluir al final del video un link a www.zerodb.org que a diferencia de los intentos de posicionar una marca en la mente de 20 millones de adolescentes y jóvenes adultos, se trata de un sitio que promueve una protesta silenciosa en contra del uso de la música como instrumento de tortura. La mecánica es sencilla: usted, mi querido lector, se toma un video de 5 segundos en completo silencio. Esto es un acto representativo para unirse en contra de un problema del que muy pocos están al tanto.
En realidad, no hay punto de comparación entre los dos videos, uno es una parodia mala de Kill Bill, mientras el otro parece un extracto de algún documental, acompañado por esta canción de Massive Attack. En ambos casos la canción sirve de puro pretexto para el video, pero la verdad es que prefiero un millar de veces encontrarme con este tipo de organizaciones no-lucrativas que pretenden hacer un cambio en lugar de unirme a la, de por sí ya podrida, sociedad de consumo que es incentivada hoy en día hasta en los videos musicales en youtube (para muestra basta saber que ya hay que ver un spot de un detergente antes de poder cargar el video de Telephone).
Lo que es muy triste, es que una causa tan noble, como es el hecho de defender a la gente torturada, pero sobre todo, impedir que algo tan bello como la música sea utilizado de una manera tan ruin, genere tan poco interés y tenga apenas más de 1,500 visitas, contrario a un video de dos viudas negras (no lo digo por Beyoncé, lo digo por el hecho de que ambas matan a sus parejas sentimentales) en donde se hace lo que hoy en día se intenta hacer en cada lugar sobre el cual ponemos los ojos: VENDER.
No es sólo que se trate de un video pop, se trata del hecho de que al parecer, en estos tiempos, lo único que importa es la forma, no el fondo. Así que al final y como siempre, mis queridos lectores, ustedes son los que han decidido darle 20 millones de visitas al comercial de 10 minutos de Virgin Mobile, espero se pueda tomar 5 segundos para apoyar esta causa en ZerodB.org
Es bien sabido que el mainstream no es mi escena favorita, llámenme "hipster" o "snob" o cualquier adjetivo que se les venga ahora a la mente, pero esa es la realidad y hay que aceptarla.
Y no es simplemente el hecho de que sea parte del "mainstream" lo que puede hacer que algo quede fuera del alcance de mi agrado, es que, por lo general y en la mayoría de las ocasiones, el producto del mainstream no tiene ningún otro final que el de vender, lo cuál hace que se repitan fórmulas, se haga producción en masa, y el arte pierda su finalidad.
Probablemente, una gran parte de los "artistas" que ocupan la escena musical mainstream, hayan perseguido ese sueño, no el de hacer buena música, si no el de vender y vender como McDonald's vende hamburguesas, y es algo completamente válido, aunque ha decir verdad, pudieron intentar ser banqueros y manejar acciones en el Down Jones y no estarían jodiendo la escena musical con videoclips que más bien parecen comerciales de 10 minutos.
Imaginen que desde su estreno, el pasado jueves 11 de Marzo, el video ha recibido 18 millones de visitas, de los cuales, podría apostar que el 80% de viewers no tiene ni idea del advertising incluído dentro del videoclip-cortometraje-telenovela.
La Gaga, anteriormente ya había utilizado sus videos musicales para promocionar de paso algunas marcas, como el caso de "Love Game" en donde sutilmente promociona a "Campari" y a "Channel". Y para su más reciente video "Telephone" de 10 minutos de largo, también hay algunas marcas como "Virgin Mobile", "Polaroid" y hasta un website de citas llamado "Plenty of Fish"
Si no se habían dado cuenta, no los culpo, son precisamente el tipo de gente de los que estos artistas necesitan para que digan que sus videos son de los mejores de la década, cuando en realidad se trata de un videoclip tan largo y con tantos cortes que dejan a la canción en el trasfondo, demostrando así que su último interés es promocionar una canción, que de entrada fue hecha con el fin de ser un producto de consumo. De esta manera un video clip ya no vende canciones, vende celulares y sitios para conocer gente y por qué no utilizarlo para mostrar que Lady Gaga no tiene pene, y que Beyoncé es una pésima actriz y que escribe unas terribles letras.. "Calling like a collector, sorry I cannot answer" o ¿de verdad van a decirme que la canción tiene algún mérito además de ser tan pegajosa como en su tiempo lo eran las canciones de Milli Vanilli?
En cuanto al video hay que destacar que tiene muy buena producción, porque de hecho tiene mucho dinero invertido (si no pregúntenle a Virgin Mobile cuánto pagó para incluir su modelo en dos cameos dentro del video) pero que alguien me asegure que el fin del video no es otro que mostrar a Lady Gaga semidesnuda y con los vestuarios más estúpidos ahora que Alexander McQueen ha muerto, ya Beyoncé estorba un poco, pero la tenían que incluir para que los fans de la Gaga compren el disco de Beyoncé, ahora llamada "Honey B" antes "Sasha Fierce" y un montón de ridiculeces por el estilo.
Yo no juzgo su gusto, simplemente digo que a mi me parece superficial y estúpido, tanto la canción, como el video y el hecho de que la gente no se de cuenta de cómo la música ha dejado de ser un arte para convertirse en "Fast Food" de consumo rápido y automático.
Tampoco hay que decir que Lady Gaga es mala, de hecho no lo es, es un "personaje" creado tan a detalle que está logrando lo que se propuso, vender y vender y vender. La gente hoy en día necesita ídolos con quien identificarse y por qué no tener de ídolo a una mujer extravagante y sumamente superficial, hambreada de fama (en sus propias palabras) que en sus letras habla de todo lo que la gente "normal" desea en esta vida: fiesta, fama, y dinero. Lo que sí no podemos asegurar es que lo hace por amor al arte, porque nada de lo que hasta hoy ha hecho, se le podría considerar una obra de arte.
Alrededor de 60 mil personas que llenaron el Foro Sol, fueron testigos de uno de los conciertos que se postula para ser de los mejores del año, aún cuando este apenas empieza.
El público se mostraba ansioso ya desde las actuaciones de Le Baron y Bat For Lashes quienes hicieron de teloneros para los británicos.
No fue hasta un poco después de las diez de la noche que las luces se apagaron para dar entrada a Chris, Guy, Will y Jon quienes después del instrumental “Life in Technicolor” continuaron con “Violet Hill”, seguida de “Clocks” e “In my place” clásicos que repuntaron la euforia de los fans quienes no contuvieron la emoción al ver el escenario inundado de luces amarillas mientras Martin entonaba “Yellow”.
Y si hay algo que agradecerle al vocalista, además de sus excelentes interpretaciones, es su esfuerzo por hablar el español, que aunque no está cerca de ser perfecto logró que la audiencia se emocionara al decir “Gracias cabrones”
Una dedicación a Frida Kahlo llegó posteriormente antes de que Chris Martin tomara el piano para “The Hardest Part” seguido de “Postcards from Far Away”.
La noche estuvo llena de momentos memorables, pero ninguno como el set acústico que fue tocado en una tarima que se encontraba entre el público, lejos del escenario, cerca de la gente, en donde después de una humilde pero bella versión de “Shiver”, Will Champion tomó el lugar de Marin para interpretar “Don Quixote”.
Si el público pensaba que la noche no podría ser mejor, cometía un gran error. Tras una pequeña pausa en donde escuchamos un remix de “Viva la Vida”, la banda originaria del Reino Unido regresó al escenario principal para “Politik” y “Lovers in Japan” que colorearon un despejado cielo para llenarlo de mariposas de colores.
La velada fue de buena en excelente culminando con “The Scientist” y “Life in technicolor II”. “Thank you very much for coming everybody” fueron las últimas palabras que pronunció Chris Martin al finalizar la primera de las cuatro presentaciones de Coldplay en México.
Un concierto inolvidable con una producción impecable en el que la banda demostró estar en uno de sus mejores momentos, tanto musical como económicamente. Un escenario bellamente decorado al que se le agregaron los miles de teléfonos celulares que oleaban en la oscuridad de la ciudad sirvieron como escenografía para esta presentación que no dejó nada qué desear.
Este es el titular de una notica publicada el 28 de Febrero en La Jornada en línea, donde el Arzobispo de León aseguraba que los recientes terremotos en Haití y Chile, además de diferentes desastres naturales que azotan el mundo, son producto del enojo de Dios ante la insegurad que existe y las bodas gays.
“Ante la violencia, el odio, la venganza y la muerte, ante las iniciativas de ley que afectan la base de la sociedad como es la familia, ante la inseguridad y el sufrimiento de tantas personas es bueno meditar los signos de los tiempos y preguntarnos con los terremotos, las lluvias, las inundaciones, ¿no nos estará hablando el señor?, ¿qué nos está diciendo con todo esto?”, fue lo que dijo el Arzobispo, y no, no fue durante una misa, fue para una rueda de prensa.
Lo que más preocupa, es el nivel de alcance que este tipo de declaraciones podría tener. Tengo más fe en la existencia de Dios que en el pueblo mexicano, caracterizado por su bajo nivel de educación, lo que lleva a un pensamiento limitado, para prueba, la influencia que tienen las grandes televisoras y los mensajes que transmiten, tienen en el público mexicano.
De un estado laico, ya ni hablemos, últimamente el clero se encuentra pisando terrenos que corresponden únicamente a la ley, pero bajo un gobierno panista y del ultraderecha, la iglesia ha obtenido de nuevo un peso muy importante en las decisiones que se toman en el país. De regreso al Medievo.
De entrada, me parece increíble que a estas alturas de la humanidad un Arzobispo se atreva a dar declaraciones de este tipo. En primer lugar ni en Haití, ni en Chile está permitido el matrimonio entre personas del mismo sexo, a diferencia de algunos países europeos y Canadá que sí tienen este tipo de leyes aprobadas ¿Por qué quitarle la vida a 125,000 personas de la isla Caribeña para que los mexicanos nos demos cuenta que Dios está verdaderamente molesto con esta modificación a las leyes?
Es una falta de respeto utilizar este tipo de calamidades humanas que encierran consigo el sufrimiento de los pueblos hermanos de Haití y Chile, para tratar de manipular a la sociedad mexicana en contra de una reforma de ley que no tiene muy contenta a la gente en la derecha. Lo más triste es que probablemente lo consigan, ya que el pueblo rara vez se cuestiona lo que dice la Iglesia o López Dóriga en el noticiero nocturno.
Yo no sé ustedes, pero a mi me parece que la derecha está dando patadas de ahogado en un mundo que cambia vertiginosamente, en donde las estructuras mentales deben adaptarse a nuevas formas de vida, entre ellas, los nuevos formatos de familia, porque si una familia con una madre soltera es una familia ¿por qué una familia con dos madres no podría serlo?
Al final, mi querido público, todo está en sus manos, es su decisión creer o no, que los desastres naturales que suceden, como siempre han sucedido en la historia de nuestro planeta, son obra de la ira del Señor.
Hoy despertamos con una noticia que, según nuestra élite en los medios de comunicación, tenía que ser vista por todo México. Y no, por supuesto no se trata de la cifra de muertos tras el terremoto en Chile que está cerca del millar, y mucho menos de que Hillary Clinton ya fue a meter sus narices al país sureño. Se trataba de la maravillosa producción bajo la batuta de Emilio Estefan que reunió a un par de decenas de artistas latinos "Doble A" representativos de la comunidad musical latinoamericana, para grabar la versión en español de "We are the World" que hace 25 años, Michael Jackson y Lionel Richie compusieran y grabaran con las estrellas de aquellos vertiginos ochentas.
Sin mencionar que apenas hace unas semanas, la volvieran a grabar las estrellas que hoy en día ocupan los pocos espacios que MTV le dedica a la música, añadiéndole un rap en medio de la canción que ya había hecho que a Michael Jackson se le pudriera el hígado en muerte. La canción que recaudara fondos hace 25 años para mitigar la hambruna en Etiopía, esta vez fue utilizada de nuevo en una labor altruista para tender la mano a Haití, país destruído por un terremoto el pasado 12 de Enero.
Perdónenme, pero ahí yo no veo a ningún artista, ni siquiera al que adaptó la letra, que al final, resulta mucho más cursi que una canción de Ricardo Arjona. Incluso la canción que le compusieron a Juan Pablo Segundo cuando visitó nuestro país en el 99 tenía mucho más mérito.
Y qué decir de las voces, un Vicente Fernandez del cuál no queda nada, Paquita la del Barrio que siempre ha parecido un chiste, viejas glorias latinoaméricanas como Chayanne que se avienta un pasito de merengue y Thalía que se oye y ve más ridícula que cuando cantaba con un micrófono en medio de un ramo de flores. Un Aleks Syntek que no hace más que mirar a la cámara, y una Shakira que olvidó que su voz ya no es su mejor atributo.
Pero, qué hay de los nuevos exponentes, como "Pee Wee" y Belinda, ¿en verdad esas son nuestras promesas musicales? Si la respuesta es sí, qué jodidos estamos. Y ya ni mencionar a la línea de reggaetoneros que intentaron versionar el rap de la versión en inglés que ya de por sí era deplorable.
Respecto a esto hay dos cosas que me parecen muy tristes, en primer lugar el hecho de que en una lista de "supuestos" artistas Doble A de latinoamérica aceptemos a estrellitas del otro lado de la frontera, les hablo de David Archuleta que, aunque debo aceptar que me gusta su voz, no tenía nada qué hacer en esta versión ¿acaso no lo invitaron a la versión gringa? le siguen Andy García y Jon Secada, ellos ni son grandes exponentes de la música, ni figuran en el mercado latino.
Entiendo perfectamente que la canción tiene un fin más allá que la canción misma, pero eso no quiere decir que pueden hacer este tipo de parodias con tan poca calidad, y aquí viene mi segundo punto: la canción está hecha para venderse y por lo tanto, recaudar fondos, pero ¿qué no ya habíamos mandado, al menos los mexicanos, una cantidad tal de ayuda que rompimos el récord de ayuda humanitaria en la historia? y ¿por qué no destinar este dinero a los afectados por las inundaciones en Chalco y los deslaves en Michoacán?
Thalía, Paulina Rubio, Belinda y algunos otros de los artistas que participaron en esta canción son mexicanos ¿no deberían ayudar primero a su país? Tal vez ni enterados están de la situación pues ya no radican en sus tierras, pero alguien debería de informarles, si ya los Temerarios dieron un concierto para ayudar a esta gente que lo necesita, ¿por qué no utilizar a estos "artistas" que llenarían estadios para auxiliar un poco a toda esta gente que se quedó sin nada?
Claro, porque no acapararían la atención de un continente, o del mundo entero, sobre todo ahora que muchos ojos están puestos en Haití, es una buena oportunidad para recordar que Juanes existe y que Paulina Rubio no es española, así que a mi no me vengan con que esto lo hacen sólo por ayudar.
Fue entre las paredes de este bello escenario donde hace unas horas, Julian Plenti (aka Paul Banks) se presentara con su álbum debut "Julian Plenti is... Skyscraper"
Plenti nos presentó las versiones en vivo del álbum en su totalidad, y un par de covers que apenas ocuparon una hora de show, que empezara alrededor de las 9:30 para concluir casi exactamente una hora después.
Y si bien, la duración del concierto es lo que no me tiene maravillado, Plenti demostró, como ya lo había hecho antes a lado de sus compañeros de Interpol, que posee una voz peculiar y potente, y que sabe perfectamente lo que hace.
Con un "Tranquilos, por favor" Julian se mostró humilde y agradecido en el escenario pero soberbio en la forma en que tocaba su guitarra al ritmo de "Games for Days" que, por mucho, fue la canción que más encendió al público que cooperó tras la súplica por parte de la gente de Arts & Crafts que les rogó literalmente que no brincaran para cuidar el estado del Poliforum. (Eso es lo peligroso de ofrecer eventos en este tipo de recintos)
Un concierto promedio, pero no por ello malo, para promocionar este disco debut. Paul Banks , o debería decir ¿su alter ego? nos ofreció una velada digna de su talento, aunque yo seguiré esperando a que Interpol regrese con nuevo material y por supuesto con presentaciones en vivo.
Aquí un video de "Games for days" en vivo en un show en Chicago.
